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sábado, 31 de diciembre de 2011

Una Terapia Peligrosa

Una Terapia Peligrosa es un interesante relato del momento histórico en que de la especialidad médica de salud mental se desgajaron unas tendencias que abandonaron el método científico para sustituirlo por fijaciones obsesivas (Freud) y esoterismo pseudocientífico (Jung), bases de la actual práctica de la Psicología.

El contexto del relato retrata fielmente el ambiente enfermizo en que se desenvuelve la trama, en la que queda borrada la línea que separa al terapeuta del paciente, llegándose a la surrealista situación de que la esposa de Jung pide a la que fue paciente de éste y después psicóloga, que trate a su marido, del que además había sido amante.

El ambiente opresivo de las mentes enfermas que acaban siento terapeutas de otras y viceversa, aderezado con unas relaciones sexuales patológicas alimentadas por Freud para después interpretarlas como relaciones sexuales patológicas, parece propicio para que el espectador se ponga en guardia ante la posibilidad de que su psicólogo en realidad sea un enfermo mental.

Sin embargo, la paradoja se despeja de manera satisfactoria al demostrarse que al fin y al cabo es la propia experiencia personal de haber sufrido en propia carne problemas mentales lo que hizo que los tres personajes de la película fueran considerados como buenos psicólogos y terapeutas después de llegar a la cordura, y no sus especulaciones y enfoques acientíficos de la psicología que además se contradicen entre sí, como cabe colegir de las palabras del personaje de Jung en el diálogo final de la película.

Moraleja: si alguna vez usted encuentra la aguja en el pajar de un psicólogo que sabe ayudarle, su capacidad de hacerlo radicará sobre todo en su habilidad para ponerse en el lugar de usted, y no en lo que estudió en la carrera de Psicología. Esta función ha sido desempeñada durante muchos siglos por madres, amigos y sacerdotes con al menos el mismo éxito, y sin necesidad de enrevesadas teorías sobre la psique humana que incluso son capaces de hacer enfermar mentalmente a los que las desarrollan o estudian…

sábado, 17 de diciembre de 2011

In Time


Andrew Niccol no es un guionista y director muy prolífico, pero cada vez que se pone a escribir borda su tratamiento del tema elegido. Sólo seis son sus guiones, y todos ellos -- Gattaca, El Show de Truman, S1m0ne, La Terminal, El Señor de la Guerra y, ahora, In Time -- son magníficas películas que tienen, no demasiado ocultos, diferentes planos de lectura más allá del de el relato en sí.

De este modo, sería una pena que la lectura de In Time se quedara en verla superficialmente como una versión moderna de Robin Hood con la anécdota de que la moneda de cambio sea el tiempo en lugar del dinero.

La equivalencia entre el tiempo y el dinero es mucho más que una anécdota, es donde radica la lectura más interesante de esta película, en la que innumerables frases y diálogos refuerzan la sensación de que en nuestras vidas esa equivalencia es radicalmente cierta y total. Merece la pena ponerse a reflexionar y descubrir que a fin de cuentas nos desvivimos, dejamos de dormir, malgastamos nuestras vidas para ganar dinero para con él comprar tiempo: tiempo de relax, de vacaciones, de jubilación... para recuperarnos del esfuerzo realizado. Todo un contrasentido que In Time pone de relieve.

In Time no colmará las expectativas de quienes quieran ver un alegato contra el capitalismo o una película de ciencia ficción en torno a la programación genética. Es más bien una historia para pensar sobre nuestras vidas. No en vano no está localizada en el futuro, sino en un presente diferente, como alegoría del presente real, que, pensándolo bien no es tan diferente del que vemos en In Time, a pesar del mundo tan distinto que nos describe.

Como único "pero", el final del pesonaje de Raymond Leon, guardián del tiempo, cuya muerte parece truncar un interesante desarrollo en su actitud frente a la realidad y su propio oficio.

Arthur Christmas

Las nuevas tecnologías llegan al polo norte y nos brindan esta imaginativa y amena película propicia para las fechas navideñas.

Con mucho humor y unos personajes bien caracterizados Arthur Christmas constituye una interesante manera de explicar la recurrente pregunta de los niños de cómo puede Papá Noel repartir tantos regalos en una sola noche...

Nos presenta además una entretenida historia de choque generacional en la que finalmente todos los personajes tienen un lado amable con el que contribuyen a una resolución feliz del conflicto.

Cabe destacar los divertidos guiños a aspectos muy concretos de las nuevas tecnologías del momento actual, lo cual puede ser el único óbice para que Arthur Christmas se convierta en un clásico de las Navidades.

Las Aventuras de Tintín: el Secreto del Unicornio

A priori podría parecer innecesario el esfuerzo de convertir en imágenes de animación a personajes encarnados por personas de carne y hueso, y eso es lo que yo pensaba antes de entrar a ver esta superproducción de Spielberg y Jackson.  Pero una vez sentado en la butaca no he tardado en apreciar que habría sido imposible mostrar a actores reales en situaciones tan propias del cómic como imposibles de filmar.

Así pues, esta técnica se ha revelado como una herramienta valiosísima para trasladar a la gran pantalla la sensación de estar viendo un cómic.

El resultado es indudablemente excelente, como no podía ser de otro modo de la mano de dos grandes del cine como éstos. Repleta de acción, de aventura y del humor propio de la versión en papel de las aventuras de Tintín, esta película no defrauda, sino que deja con ganas de que esta aventura cinematográfica de adaptar al cine esta serie de cómics, con el aliciente de que queda por aparecer el profesor Tornasol...

Kika Superbruja: El Viaje a Mandolán

Lo de Kika Superbruja no deja de ser un fenómeno sorprendente: tras pasar totalmente desapercibida la primera entrega, el posterior éxito de los libros ha conseguido que esta segunda película tenga una aceptable acogida en los cines de España.


Tanto ésta como la primera son películas alemanas, muy entretenidas y centradas en el público infantil al que se dirigen, a diferencia de tantas otras películas supuestamente infantiles que para agradar a los padres, tíos, abuelos, etc... incluyen golpes de humor pensados para adultos. Mientras esta estrategia de marketing es perfectamente comprensible y ha dado lugar a un género llamado "familiar" más que "infantil", es igualmente cierto que se empezaban a echar de menos producciones puramente infantiles en las que los más pequeños pueden entender absolutamente todo lo que se relata y, probablemente, salir del cine con la misma sensación que salimos nosotros cuando hemos visto una película que nos satisface.


Con todo esto, puede afirmarse que Kika Superbruja 2 cumple con creces sus objetivos y pone al cine alemán en nuestras pantallas con una nota más que aceptable.

sábado, 12 de noviembre de 2011

The Help (Criadas y Señoras)


Viendo Criadas y Señoras a uno le dan ganas de pertenecer a la comunidad negra. La realidad de la discriminación racial en años no tan lejanos como los 50 y 60 del siglo XX ha sido abordada muchas veces en el cine pero pocas veces de manera tan sublime y bella como en esta película.

Todos recordamos películas como Arde Missisipi, Malcolm X o American History X, y tantas otras, todas ellas con el común denominador de un odio volcado en violencia física y verbal, hasta extremos a veces perturbadores. La realidad que tratan de reflejar indudablemente era violenta, pero una película como The Help es capaz de retratarla sin recurrir a su representación explícita, sino centrándose en el odio que la genera, al tiempo que nos presenta como contrapunto el coraje y el valor de quienes le plantaron cara.

The Help es la visión femenina de aquella lacra y quizás por ello puede reflejarla describiendo más bien las emociones y conseguir con mayor intensidad lo que todas las demás historias del odio racial quisieron transmitir: la indignación del espectador es tanto más profunda cuanto las escenas descritas son más cercanas que escenas de violencia extrema que, aunque indignantes, alejan a un espectador que simplemente no está acostumbrado a presenciarlas y por tanto sólo las asocia a la ficción, aunque le digan que están basadas en hechos reales. Las vidas y los problemas de las protagonistas de The Help giran en torno a cuestiones tan cercanas como en uso del inodoro, la cocina, el trabajo doméstico, las reuniones sociales, etc… Conseguir expresar cinematográficamente el odio que las impregnaba en la realidad que relata la película es todo un reto, superado con la máxima nota, lo cual sin duda debería quedar reflejado en la próxima edición de los Oscar, con estatuillas para los guionistas y el director y para todo el elenco de actrices no tan conocidas, pero que bordan sus papeles de manera impresionante.

Una vez más los traductores de títulos en España han demostrado no tener ni idea de lo que hacen, o simplemente no haberse molestado en ver la película. “The Help” tiene una multitud de significados en la película y es sin duda un título cuidadosamente elegido en inglés. “Criadas y Señoras” es el título que le pondría cualquier niño con sólo ver el cartel de la película.

sábado, 15 de octubre de 2011

Johnny English


Decir Johnny English es decir Rowan Atkinson. Al igual que la primera entrega, el regreso de este peculiar agente secreto inglés deleitará a los fans de las muecas y gestos de este actor, conocido por hacer lo mismo a lo largo de la serie y películas de Mr. Bean.

A diferencia de la anterior, esta entrega nos transmite que las desventuras no se deben tanto a la torpeza de English, sino más bien a la mala suerte. No está claro si es un cambio deliberado o un desacierto, pero en realidad poco importará a quien disfrute viendo a Rowan Atkinson muy en su papel, nunca mejor dicho. A quienes nunca hizo demasiada gracia, por el contrario, les parecerá más de lo mismo.

Una vez más, y ya se está convirtiendo en una pauta, prácticamente todos los gags de la película están en los trailers. No entiendo mucho esta práctica, ya que aboca a los espectadores a esperar más de lo que luego reciben. No entiendo cómo profesionales del marketing pueden pensar que merece la pena quemar todas las escenas que consideran atractivas para atraer a unos pocos espectadores más, cuando después la decepción transmitida por el boca a boca (lo siento pero no voy a cometer la horterada de decir “boca a oído”) hará que se pierdan muchos más. 

Sin Salida (Abducted)

Sin salida es una oportunidad para que uno de los protgaonistas de la saga Crepúsculo evite ser encasillado por ésta, con un papel distinto en una película diferente. 

Curiosamente el resultado es bastante aceptable, una historia de acción con un buen ritmo, buenas actuaciones y un argumento bastante ingenioso en torno al espionaje y al contraespionaje.

Sólo empañan el esfuerzo un par de errores de argumento. Por un lado, el protagonista es buscado intensamente por la CIA que le tiene estrechamente vigilado e intrevenidos todos sus teléfonos y los de sus amigos, y sin embargo consigue llamar a uno de ellos, revelarle sus planes de huida, y nadie se entera. Por otro lado, como parte del intecambio de información que desean los malos de la película, está la entrega de una lista de implicados en una trama, acerca de la cual todos actuan como si entregar la lista implicara la desaparición de los datos, como si a nadie se le ocurriera hacer una copia de seguridad de un archivo informático con información transcendental...

Pero aparte de estos gazapos, esta película mantiene el interés y la tensión con varios giros inesperados que hacen que finalmente el espectador salga plenamente satisfecho de haberla elegido.

sábado, 8 de octubre de 2011

La deuda

Prometía, una nueva cinta de espionaje, nazis y venganza, pero queda claro que no son sólo los ingredientes lo que hace que una receta de buen resultado. Y en esta receta ha faltado algo de acción --una vez más, toda la que había ya la habíamos visto en el engañoso trailer-- y ha sobrado un exceso de introspección, de un fallido análisis de los personajes, de los cuales ninguno acaba de cuajar y ser convicente.

La cinta nos proporciona un rato de entretenimiento,  pero dejándonos con la pregunta de dónde quedó todo lo que esperábamos de ella. Al final se vuelven a abordar temas ya manidos de la posguerra sin aportar nada novedoso en su tratamiento, y poco que justifique volver s a hacerlo.

Los Pitufos

Algo deben de haber hecho bien los creadores de esta adaptación al cine del mundo pequeño y azul de los Pitufos, cuando bien entrado octubre esta película sigue en cartelera, desde principios de verano.

Y es que, efectivamente, han conseguido hilar una entretenida historia sin demasiadas pretensiones, pero con un buen resultado respecto al objetivo principal de cualquier película, que es entretener.

Es difícil decir én qué aspecto destaca esta película, pero lo que está claro que es una prueba patente de que para lograr el éxito quizás sea más eficaz que todos los aspectos de una producción estén bien cuidados, que un reclamo muy llamativo --un actor famoso, los efectos especiales, un director renombrado-- unido al descuido de los demás ingredientes.

A modo de anécdota, resulta curioso cómo en una época en que la imagen por ordenador parece estar tan dominada, aún resulte tan difícil conseguir que los movimientos de las manos de los actores sean creíbles cuando recogen o abrazan a personajes virtuales como son en este cas los Pitufos.

sábado, 1 de octubre de 2011

Arrietty

Casi desapercibida ha pasado por las pantallas de nuestros cines esta película de animación, pura belleza visual, musical y narrativa.

Con un ritmo pausado, que no lento, esta sencilla historia de los diminutos demuestra que no es necesario llenar 90 minutos de incesante acción y ruido estridente para gustar a los niños de hoy, por muy acostumbrados que estén a los juegos en las consolas de diversas denominaciones. Y es que Arietty, tan sencilla, tranquila y sosegada, es capaz de entretener a pequeños y mayores durante el mismo tiempo, simplemente con una historia narrativamente perfectamente relatada, una banda sonora como pocas y una animación de extrema belleza visual, con infinidad de detalles que indudablemente piden un nuevo visionado para descubrir y disfrutar aún más si cabe.

Altamente recomendable, desgraciadamente tendrá que ser para ver en casa, ya que su paso por las salas de cine ha sido ínjustamente efímero.

sábado, 24 de septiembre de 2011

Cómo deshacerte de tu jefe

Esta vez no se cumplió lo que tantas veces ocurre con películas anunciadas como comedias: que acaban contando una historia con bastante más mensaje y profundidad que su carácter cómico hace esperar, como en "Dí que Sí"  o "Una pareja de tres" y tantas otras.

Esta vez la comedia no es más que eso, una comedia sin más pretensiones que pasar un rato cuando no se tiene nada mejor que hacer. La premisa argumental tenía cierto potencial, pero la película parece haber sido hecha con cierta desidia, o sin mucha ilusión. Algunos golpes de guión son capaces de arrancar alguna carcajada suelta, pero en general la película no consigue mantenerse siempre a este lado de la línea que separa una buena comedia como "Resacón en Las Vegas" de las comedias insulsas y tontas de las que hay suficientes ejemplos.

Salvan la producción excelentes actores secundarios como Kevin Spacey, Jennifer Aniston y Colin Farrell, que deleitan bordando sus papeles, mientras que los supuestos protagonistas no consiguen hacerse con las riendas de la película y dejan al espectador más bien frío.

sábado, 17 de septiembre de 2011

COWBOYS & ALIENS

Una idea tan sencilla que parece increíble que no se le hubiera ocurrido a nadie antes: ¿por qué no contemplar una invasión alienígena en el pasado, en lugar del presente o el futuro? 

Claro que no basta una idea genial, sino alguien capaz de convertirla en una buena película. Y quién mejor para garantizarlo que Steven Spielberg, a través de su productora Dreamworks, y su insuperable visión para reunir a los mejores profesionales para ello.

Y así, una vez más, saber que Dreamworks está detrás de una película es garantía de que uno no va a salir defraudado del cine, sino con la sensación de haber disfrutado del cine total, un cine en que todos los aspectos están cuidados y realizados por personas que se esfuerzan por bordar su parte del trabajo.


Cabe destacar en esta ocasión la excelente selección de actores: tanto Harrison Ford y Daniel Craig son los intérpretes ideales para sus papeles. O quizás sean papeles escritos con ellos en mente. El primero siendo de nuevo él mismo, con su expresión de pillo inocente, aunque al principio se presente como un verdadero villano y tarde un poco en aparecer su inimitable expresión de granuja amable que le caracteriza desde su papel de Han Solo en Star Wars y sus interpretaciones de Indiana Jones. Y, sobre todo, Daniel Craig, que sabe mantener un ademán de tipo duro desconcertado por no saber qué le está ocurriendo. Junto a él vamos descubriendo a lo largo de la película quién es él y cuál es su papel en la batalla entre los humanos y los extraterrestres.

Además, tras varios intentos en el cine de recuperar la esencia del Western, parece que ha sido necesaria la irrupción en escena de los alienígenas para conseguirlo. En Cowboys & Aliens tenemos todos los ingredientes del más puro cine del oeste: indios, colonos, ganaderos y vaqueros, el ferrocarril, el saloon con el pianista, las peleas dentro de éste y los duelos en la calle, la búsqueda de oro, el sheriff y el villano irreductible al que se busca vivo o muerto con recompensa, el reverendo, la diligencia... sólo faltó el séptimo de caballería para completar el elenco.

Quizás nos espere ahora un brote de intentos de imaginar invasiones alienígenas en diferentes épocas de nuestra historia. Si sus resultados están a la altura de Cowboys y Aliens, nos depararán una buena oferta de excelente cine.

Phineas y Ferb - La película

Termina el verano... con el esperado episodio cinematográfico de la excelente serie de animación Phineas y Ferb. De manera muy inteligente sus creadores han evitado caer en la solución fácil de hacer un episodio más, inflado en duración y efectos especiales, y, por el contrario, nos deleitan con un argumento único e irrepetible en la serie, además de aprovechar para hacer referencia a muchos de los episodios televisivos a través de los inventos que sus protagonistas habían creado en ellos y que ahora forman parte de la resolución de la trama.
No sin algunos golpes de humor dirigidos a los adultos, esta película será el contrapunto perfecto para quienes quieran hacerse más llevadera la transición de las vacaciones a la rutina escolar, tanto hijos como padres.

sábado, 27 de agosto de 2011

Conan el Bárbaro

Gruñidos, músculos, luchas sangrientas y algunas tetas es todo lo que tiene que ofrecer esta versión de Conan el Bárbaro que quizás por ello puede considerarse fiel al comic en el que se inspira. Por ello gustará probablemente sólo a los incondicionales del propio comic y a quienes les son suficientes los ingredientes arriba mencionados, junto a un menú gigante de palomitas para darse por satisfechos en una velada de cine.
Merece la pena quedarse a ver los créditos de la película para ver que aunque la película se considere estadounidense, prácticamente todos los que han participado en su creación son búlgaros. Un experimento de coproducción que habrá pasado por las salas de cine sin pena ni gloria.

Super 8

Comentando Medianoche en París decía que Woody Allen había encontrado a su reemplazo ideal en su faceta de actor. Con Super 8 podemos ver que ahora a Spielberg le ha sucedido lo mismo, con J.J. Abrams dirigiendo una película que podría considerarse una versión moderna de ET con muchos paralelismos con ella, en cuanto a argumento, personajes, época y, sobre todo, dirección. Bajo la supervisión del propio Spielberg como productor, quienes vimos ET regresamos a aquellas sensaciones como si de un salto en el tiempo se tratara.
Sin embargo, no se trata de un intento de remake o de homenaje, sino de una película totalmente nueva, perfectamente dirigida y capaz de mantener el interés y el misterio a lo largo de su metraje, que como en todas las obras maestras, se queda corto para el espectador, ávido de más.
Super 8 es sin duda la película destacada del verano, muy por delante de cualquiera de las demás producciones más bien mediocres que nos han ofrecido.

Capitán América

Parece razonable que la Disney haya adquirido la Marvel dado que han encontrado en el comic un filón para sacar películas como churros. Probablemente sea más barato comprarla que pagarle licencia tras licencia para cada película. Pero en algún momento el filón se agotará, y creo que ya tenemos sobradas señales de que ha comenzado el declive. Al fin y al cabo las historias de superhéroes acaban siendo todas muy parecidas y lo que cambia es el disfraz del individuo y su especialidad en cuanto a los superpoderes.

Así pues, Capitán América es ya simplemente "otra de superhéroes" que sólo dejará agusto a los incondicionales de los comics y sus adaptaciones cinematográficas. Ya no hay espacio (o ingenio) para innovar en cuanto a darle un especial cariz de comic a la película, lo cual sólo lo lograron unos pocos a mi entender, como el Hulk de Ang Lee o Sin City. Esta última es prácticamente insuperable en este sentido, y algo tendrá que ver que la dirigió, con ayuda de Quentin Tarantino, el propio autor de los comics. Adaptar para la gran pantalla uno tras otro a los héroes del cómic sólo tendría sentido si con ello se hubiera creado un nuevo género de "cómic cinematográfico", del cual los dos ejemplos citados serían un buen inicio. Pero la churrería de superhéroes ha decidido ir por otros derroteros y conformarse con películas fáciles y sin complicación que acabarán por matar a la gallina de los huevos de oro.

El origen del planeta de los simios

A esta película uno acude con ganas de comprender cómo ocurrieron los acontecimietos que llevaron a la primacía de los simios en la Tierra, tal como se vio en el ya clásico "El planeta de los Simios" protagonizado por Charlto Heston. En este sentido, efectivamente, el espectador ve colmadas sus expectativas, aunque la sensación final es la de haber visto un episodio de una serie de TV más que una superproducción cinematográfica. Es una sensación ya recurrente y que necesito ponderar un poco más para explicármela, pero es eevidente que hay películas que, probablemente debido a la estructura del argumento, carecen del empaque propio de un largometraje. Animo a que comenten esta cuestión con ejemplos, si es que comparten esta sensación.

Disfrutarán de ella sobre todo los incondicionales de la saga simia, si es que aún les quedan ganas de intentar sacar algo en claro del complicado berenjenal en que se han metido los gestores de la franquicia al permitir que Tim Burton rodara su versión de la historia con un argumento incompatible con el original, y ahora aprobaran esta versión de la conquista de la Tierra por parte de los simios que por un lado engarza perfectamente con la película original, pero no con sus secuelas de los años 70, en las cuales se explicaba lo mismo de manera menos creible que en el actual "reboot", que es el término que han acuñado para justificar estas incongruencias argumentales en franquicias que no controla nadie en cuanto a coherencia, como ya ocurriera con Batman.

Lo dicho, interesante para los fans del mundo del planeta de los simios, también para quienes nos fijamos en cómo se representa la ciencia en el cine, pero prescindible para el resto de los mortales...

Sobre el precio del cine en Tenerife

Siguen a partir de aquí una serie de comentarios de películas que he ido a ver en cines de Guipúzcoa, y antes de entrar en materia he de expresar mi estupor e indignación (a pesar de lo manido de la palabrita) al descubrir que en la provincia más cara de España, meca del cine en España con el único festival de cine de ctaegoría A del país celebrándose anualmente en San Sebastián, resulta que ir al cine es sustancialmente más barato que en Tenerife. La entrada "cara" en Guipúzcoa equivale a la opción más barata de Tenerife (día del espectador, descuentos...), y se puede ir a ver una película de estreno por 5 euros. Lo mismo ocurre con los productos "colaterales" como las palomitas. En Tenerife poco se puede llevar uno a la boca por menos de 5 euros. Aquí puedes adquirir un ración de palomitas grande por 2,90 euros!

¿Realmente es admisible este atropello constante? No pretendrán hacernos creer que hoy en día la distancia de Canarias de la península tiene algo que ver, ese cuento ya no se lo traga nadie. Además, en Tenerife en todo caso debería ser más barato todo, aunque sólo fuera porque el IGIC es mucho menor que el IVA...

Cars 2

Muy distinta a la primera entrega, Cars 2 vuelve a sorprender y a entretener con un argumento más sofisticado y más centrado en el personaje de Tow Mater, que es quien dota a la película de los elementos tanto cómicos como dramáticos y es el verdadero eje de la historia.

Con varios guiños e incluso la participación de personajes reales de las carreras de coche, la película está diseñada para que también la disfruten los acompañantes de los más pequeños, como ocurre en tantas otras películas que más que infantiles habría que calificar de “familiares”.

Harry Potter VII - segunda parte (es que no me acuerdo del título largo)

La octava entrega de Harry Potter ha conseguido lo que ninguna de las anteriores: que no me durmiera en algún momento de la película. Creo que en gran parte se debe a que en ella ha quedado confirmado lo que desde la primera entrega intuía: que Severus Snape es un personaje cuando menos interesante. Realmente ha resultado ser el mayor héroe de cuantas historias se han contado en la gran pantalla, probablemente más aún que Darth Vader, con quien tiene más de un paralelismo.

Evidentemente, esta octava película de Harry Potter sólo tiene interés y sentido para quien ha seguido la saga, cerrándola de manera espectacular y sorprendente. Cabe pensar que uno de los mayores logros de la franquicia ha sido mantener el interés y la calidad a lo largo de ocho entregas a manos de diferentes directores, para un público que ha crecido a la par que los personajes y los actores a lo largo de todo este tiempo.

RIO

Sin llamar sobre sí demasiada atención y quizás sin ni siquiera pretenderlo, Rio ha resultado ser toda una obra maestra del cine de animación de los últimos tiempos.

Cuenta con una historia muy original, unos personajes muy bien caracterizados, un guión muy cuidado de principio a fin y un buen ritmo argumental. Todo ello deja al final con ganas de más y un buen sabor de boca, como pocas veces sucede ya en el cine.

Impresiona la expresividad facial que los animadores han sido capaces de dar al protagonista Blu sin caer en la tentación de antropomorfizarlo, teniendo en cuenta lo poco susceptible que parece ser para ello la cabeza de un loro. Sorprende al mismo tiempo que no lograran lo mismo con la hembra de loro llamada Perla, en lo que sería el único pero que le encuentro a la película.

Además uno se lleva de esta película una buena impresión de la ciudad de Rio de Janeiro, no sería de extrañar que hubiera participado alguna autoridad de turismo de la misma, ya que queda en la memoria tras la película asociada a todo un despliegue de color, ritmo y alegría y a la innegable belleza de la naturaleza que le rodea.

Como he visto la película en una de los últimos pases en el cine, esta recomendación sólo servirá para verla en casa. Aun así, Rio no deja de ser una película imprescindible para grandes y pequeños.

sábado, 9 de julio de 2011

Kung Fu Panda 2

Ya son multitud las películas que incumplen aquello de que “nunca segundas partes fueron buenas”, y Kung Fu Panda 2 es una más.

Llena de acción y con un ritmo ágil, esta película deleita a niños y grandes, con elementos de humor dirigidos a ambos, proporcionando una buena elección para pasar la tarde y salir satisfecho del cine.

Cabe destacar que ha sido dirigida por una mujer, Jennifer Yuh, lo cual desgraciadamente sigue siendo algo destacable. Lo ha hecho magníficamente en su primer largometraje, habiendo llegado a la dirección de esta entrega de Kung Fu Panda tras haber sido jefa de los guionistas y supervisora de las escenas de acción y artes marciales de la primera película.

Otra curiosidad, irrelevante para quienes la disfrutarán en español, es el elenco de actores que han prestado sus voces a los personajes, incluyendo un pequeño papel para Jean-Claude Van Damme y la función de asesor creativo de Guillermo del Toro, que es además uno de los productores ejecutivos de la película. Me pregunto qué se cuece por Hollywood para que éstos profesionales acaben desempeñando estas curiosas funciones en películas como ésta…

sábado, 2 de julio de 2011

ALGO PRESTADO

Algo Prestado es otra película que acaba siendo víctima de quienes se encargan de su promoción y la encasillan como comedia romántica, cuando en realidad es mucho más.

A lo largo de la película se explora lo enrevesadas que pueden acabar siendo las relaciones personales a partir de una mala decisión y la negativa a reconocer que lo fue. Tras una concatenación de huidas hacia adelante en las vidas de los protagonistas, el enredo llega a ser de tal alcance que esta “comedia romántica” llega a convertirse en una historia de intriga en la que ni siquiera se pude intuir el modo en que los protagonistas saldrán de la situación en que se han metido. Final inesperado, pues, no tanto porque lo que acaba ocurriendo no sea una opción plausible, sino porque el director es capaz de llevar la película con gran equilibrio y maestría lejos de la típica sensación de estar seguro cuál va a ser el final.

Kate Hudson consigue clavar su papel de tal manera que, tal como se pretende, el espectador acaba cogiéndole una intensa manía. Destaca, sin embargo, la soltura y naturalidad con que John Krasinski se hace querer en su papel del amigo fiel que siempre está ahí cuando se le necesita y dice las cosas que necesitan ser oídas.

sábado, 18 de junio de 2011

Medianoche en París

Fui a ver Medianoche en París pensando ya de antemano que comenzaría este comentario mencionando mis bajas expectativas para otra película de Woody Allen, que ya llevaba varias producciones demostrando que “no es el que era”.

Iba preparado para o bien confirmar esa tendencia o, como mucho, afirmar que a pesar de las bajas expectativas –o precisamente debido a ellas, como ocurre tan frecuentemente— salí satisfecho.

Para lo que no estaba preparado era para certificar que Woody Allen ha vuelto… sin Woody Allen. Me explicaré: un ingrediente fundamental de las películas de Woody Allen que a todos nos aficionaron a su cine era él mismo, como actor, en uno de esos personajes que él escribía pensando en sí mismo y que interpretaba de modo tan característico, entre patoso e ingenioso, medio despistado y medio genial.

En Medianoche en París aparece de nuevo el típico personaje “woodyalleniano”, con la sorpresa de que es interpretado no por él, sino por quien espero sea su nuevo “alter ego” por muchas películas. Un magnífico, inesperado, genial e inigualable Owen Wilson, quien ya nos sorprendió en
“¿Cómo sabes si…?” y que ahora demuestra que aquel papel no fue una excepción respecto a su encasillamiento como actor de papeles en comedias absurdas, sino más bien el primer paso en una dirección acertada en su carrera, que, como decía, espero que le lleve a hacer de Woody Allen en más ocasiones.

También lo debió de ver así el doblador habitual de Owen Wilson, Luis Posada, que le puso una voz y un modo de hablar tan parecido al que habitualmente le pone Joan Pera al propio Woody Allen que hasta comprobarlo en sus fichas de
http://www.eldoblaje.com/ estaba más que convencido de que había sido éste último quien se hizo cargo del doblaje. Eso sí que es un trabajo bien hecho, que demuestra una vez más lo profesionales que son nuestros dobladores y lo bien que estudian a sus personajes. Soy muy aficionado a ver las películas en versión original, pero el doblaje en España es de una calidad tal que merece ser apoyado y mantenido como un valor en sí mismo.

Por lo demás la película es sencillamente genial, sorprendente y con una clara moraleja abordada con humor e ingenio, cómo no podía ser de otro modo. No quiero desvelar nada más sobre el contenido porque en ésta más que nunca, es importante ir sin saber nada, o lo menos posible, de la trama.

No puedo, sin embargo, omitir mencionar la breve pero antológica interpretación de Adrien Brody como Salvador Dalí. Tanto éste como los demás personajes, numerosos ellos, están extremadamente estudiados para que con unas breves pinceladas surrealistas queden magníficamente retratados.

Y hasta aquí puedo leer…

sábado, 11 de junio de 2011

Piratas del Caribe - En Mareas Misteriosas

En cosas de cine, el público (y Jerry Bruckheimer) siempre tiene razón. Esto es así por definición: quien hace cine lo hace para atraer al público. Y por eso, a pesar de opiniones “eruditas” de críticos y otros supuestos expertos, la cuarta entrega de Piratas del Caribe está haciendo taquilla.


Es verdad que es distinta a las anteriores. ¿Qué querían, un calco? Sin embargo no desdice de la acción y de la aventura que uno espera de ella. Toda la película, desde el principio hasta el final, es una alternancia de escenas de acción con otras que relatan la historia que hilvana la aventura en que está metido esta vez Jack Sparrow – perdón el capitán Jack Sparrow.


Los diálogos vuelven a ser mordaces, y la genialidad de los comentarios de Sparrow no dejan de arrancar la sonrisa del espectador, en ocasiones incluso alguna carcajada.


Se ha criticado mucho a Penélope Cruz, alegando que no hay química entre ella y Johnny Depp. Me pregunto si quien dice esto realmente ha visto la película o se basa sólo en los trailers. Naturalmente que no hay química entre ellos: sus personajes no mantienen precisamente una relación romántica, ni si quiera amistosa. Sin embargo, Penélope Cruz, de la que no soy especialmente aficionado, interpreta estupendamente su papel, contribuyendo a un elenco de personajes bien logrados y a una historia magníficamente relatada por Bob Marshall.


La música de Hans Zimmer es también un personaje más en la película, y un personaje de peso. Es imposible ya imaginar esta saga sin el famoso tema musical que la acompaña en todo momento, magistralmente variado y ampliado por su autor, de modo que, sin cansar, está presente a lo largo de toda la cinta dándole ese toque de aventura épica que la caracteriza. Vaticino que la música de Piratas del Caribe va a pasar a los anales de las bandas sonoras alcanzando a legendarias melodías como la de Star Wars.


Una nota sobre el 3D. Hoy he vuelto a darle una oportunidad, para reafirmarme que bajo ningún punto de vista merece la pena el desembolso adicional para ver una película en 3D. Aparte de dos o tres efectos que seguramente se introducen para justificar la producción con esta tecnología, la sensación de profundidad no añade apenas nada sobre la perspectiva que nuestro cerebro interpreta de todos modos al ver una película en 2D.

sábado, 4 de junio de 2011

The Lincoln Lawyer (El Inocente)

El Inocente da una vuelta de tuerca más al género de las películas de juicios y abogados. En esta, pronto se disipa la duda de si el “inocente” lo es o no: la intriga se centra en ver cómo el abogado consigue hacer justicia cuando el único modo de hacerlo es romper el secreto profesional y traicionar la confidencialidad entre el abogado y su cliente…



La resolución es inteligente y el resultado es una película redonda que dejará al espectador agusto, satisfecho de haber elegido esta película de Hollywood frente a la imposición legislativa que coarta la libertad de los cines a proyectar las películas que quieran y la de los espectadores, limitando las opciones a su disposición con la obligatoriedad de tener en cartel un número determinado de películas españolas, incapaces de competir por sí solas con su calidad o, mejor dicho, falta de ella.

sábado, 21 de mayo de 2011

AGUA PARA ELEFANTES

Agua para Elefantes no es lo que parece: no es una película sobre el circo. Es una bellísima historia de amor que ocurre en un circo, pero la película no entra a aburrir describiendo la vida del circo, un error en que tantas otras han caído y que han hecho que, de entrada, el público sienta cierto rechazo a relatos con el circo como trasfondo. Y eso que la novela en la que se basa parece que sí lo hace.



La historia se hace especialmente creíble porque el malo, un magnífico Christoph Waltz, muchas veces tiene razón, y la trama incluso parece que va a redimirle, aunque lo que vence al mal es una vez más, la fuerza del amor.

sábado, 14 de mayo de 2011

UNKNOWN (SIN IDENTIDAD)

Sin identidad es sin duda una película sorprendente que recupera algunos elementos de las historias de espías, sin recurrir a los tópicos de las mismas. Relata una historia que no está ligada a una época determinada, escrita con maestría en cuanto al ritmo y a la intriga que mantiene hasta el último momento. Todo encaja, todo es explicado, incluso lo que parecía que iba ser una cierta metedura de pata es resuelto con maestría…



El espectador es llevado a interpretar los hechos iniciales, desencadenantes de la trama, de mil maneras distintas, logrando que nadie se imagine ni de lejos la verdad , que no es revelada hasta el último momento. ¿Qué más quiere un espectador de este tipo de películas?



Cabe destacar que es una película magníficamente dirigida por un español, Jaume Collet-Serra. ¿Por qué será que los directores de talento españoles han de irse a Estados Unidos para hacer cine de calidad?

sábado, 7 de mayo de 2011

THOR

No suelo esperar mucho de las adaptaciones al cine de personajes del comic una vez que los productores han empezado a abusar de este filón. Sin embargo, no cabía esperar una decepción si Kenneth Branagh se pone tras la cámara y el resultado de Thor es, efectivamente, una magnífica película que no se ve condicionada por el medio del que proviene su personaje principal.


Thor es, al contrario, una entretenida y hábil conjugación de la mitología escandinava con una visión científico-tecnológica de la realidad propia del mundo actual. Todo ello sin forzar el guión en un sentido o en otro, de modo que se respeta la magia de la primera y un discurso científico coherente, dentro de la premisa ficticia necesariamente fantástica.


Los personajes están aceptablemente bien interpretados, con la excepción del de la astrofísica para el que una Natalie Portman anclada en la actitud atormentada de Cisne Negro ha sido una pésima elección. Casi parece que investigar en astrofísica es una tragedia vital que contrasta con el tono divertido y amable del resto de miembros del equipo. Cabe destacar, sin embargo, la actuación, en el papel de Sif, de Jaimie Alexander, conocida por su papel de Jessi en la serie Kyle XY.


Todo ello está aderezado con una magnífica banda sonora de Patrick Doyle, de la que se interpretarán algunos temas en la próxima 5ª edición del festival Fimucité, y un apabullante despliegue de panoramas celestes de gran belleza que nada tienen que envidiar a los paisajes imaginados de El Señor de los Anillos o Avatar. En Thor se aprecia la importancia de una buena música y una buena escenografía.

sábado, 23 de abril de 2011

Source Code (Código Fuente)

Código fuente es una magniífica historia, relatada a través de un cuidadísimo guión y unas actuaciones muy logradas.

El guión es redondo de principio a fin, y, cuando parecía que iban a meter la pata, o, dicho de otro modo, recurrrir a una pequeña "trampa" para poder llegar a un final, un magnifico toque de genialidad resuelve la trama sin necesidad de incurrir en una incogruencia, como ha ocurrido en tantas otras películas en las que se juega con viajes en el tiempo, universos paralelos, o mundos virtuales.

Sin embargo, a pesar de todo el contexto tecnológico, lo más destacable de la película es su espíritu optimista -- "todo va a salir bien" es una frase muy repetida por los protagonistas--, su confianza en el ser humano y en el poder del amor para sobreponerse a cualquier obstáculo y toda dificultad, representado en la película a través de su capacidad nada menos de crear una realidad donde ésta no existía.

He intentado escribir este comentario sin estropear la experiencia de ver la película, una experiencia altamente recomendable y totalmente satisfactoria, que nadie se debería perder.

sábado, 26 de marzo de 2011

THERE BE DRAGONS (Encontrarás Dragones)

No es bueno crear expectativas si se pretende sorprender al público con una película. A Encontrarás Dragones le ha ocurrido lo que a tantas otras: su promoción ha vendido un producto distinto del que luego se obtiene. No digo que la realidad sea peor que lo anunciado, sino que es distinto, y eso irremediablemente conduce a cierta decepción.

En primer lugar, como suele ser habitual, la promoción ha hecho mucho énfasis en entroncar esta película en la línea de La Misión y Los Gritos del Silencio, dirigidas por Roland Joffé…hace 25 años. Entre aquéllas y Encontrarás Dragones han pasado muchos años y varias películas por las manos de este director, que en ninguna de ellas ha llegado a estar a la altura de aquellas míticas producciones. No es sorprendente, por tanto que Encontrarás Dragones, contrariamente a lo anunciado no se parezca a La Misión y Los Gritos del Silencio. Joffé ha evolucionado y por tanto también su cine. No necesariamente a peor, pero sí hacia algo distinto.

En segundo lugar, en cuanto a su contenido, se ha hecho un gran esfuerzo en distanciar las expectativas sobre la película del concepto de “biografía” de Josemaría Escrivá. Esto es comprensible, porque una biografía cinematográfica no atraería más que a cierto público. Por ello el recurso cinematográfico ha sido el de entrelazar algunos aspectos e hitos de la vida de Josemaría Escrivá con una historia ficticia ambientada en la etapa de la guerra civil española, hasta el punto de presentar la película como si el núcleo de su contenido fuera esta historia paralela y, en concreto el concepto del perdón y su poder liberador para el perdonado y el que perdona. Y sin embargo también en esto lo que se encontrará el público es distinto: la historia ficticia de traición, amor y perdón de los personajes del relato paralelo no cobran el protagonismo necesario, ni se les dedica el metraje suficiente para ser el relato principal. Para que el perdón tuviera el impacto que se le atribuye en la promoción, la ofensa, el agravio, el dolor provocado tendría que haber sido más intenso, más dramático, más desgarrador, pero no acaba de aparecer así en toda la película. En realidad, el plato fuerte de la película son los retazos biográficos de Josemaría Escrivá desde su niñez hasta su salida de la España republicana a través de Andorra. Tampoco esto es necesariamente peor de lo que se afirmaba en la promoción de la película, pero, de nuevo, es algo distinto.

Yo habría salido más satisfecho del cine si se me hubiera presentado la película como lo que es, y probablemente me haría detenido mucho más en los innegables aspectos positivos que tiene, como la magnífica y cautivadora actuación de Charlie Cox, que es capaz de transmitir con una fidelidad asombrosa la alegría y el cariño que irradiaba su personaje en la vida real. A lo largo de toda la película nos deleita una y otra vez con una sonrisa sincera y profundamente amable que seguramente será una de sus bazas en su carrera interpretativa. Otro aspecto a destacar es el excelente tratamiento, tanto en el fondo y la forma, de la guerra civil, con una objetividad incontestable –ninguno de los dos bandos combatientes sale bien parado: ambos aparecen como igualmente malos, como no puede ser de otra manera en una guerra fratricida como aquella, en la que todos salieron perdiendo. Las escenas bélicas tienen en su sencillez, precisamente por ella, un gran realismo, sin grandes explosiones ni espectaculares hazañas épicas, sino siendo un fiel reflejo de un enfrentamiento descarnizado que destruyó las vidas de los caídos y de los supervivientes.

The Adjustment Bureau (Destino Oculto)

Una película para quien quiera ver algo distinto, poco habitual, en cuanto al argumento. Claro que lo que se encontrará es, efectivamente, algo distinto de lo habitual, a no ser que sea fiel seguidor de las adaptaciones al cine de Phillip K. Dick, casi todas ellas variaciones sobre el mismo tema: el libre albedrío y sus posibles limitaciones. Desde Blade Runner hasta Next, pasando por Desafío Total, Impostor, Minority Report, Una mirada a la oscuridad (A Scanner Darkly) y Paycheck, todas ellas abordan de un modo u otro, distintos ángulos sobre la capacidad del ser humano de controlar su vida.

Sin embargo, quizás deliberadamente, o como resultado de un equivocado intento de explicarlo todo, en Destino Oculto no hay espacio para la interpretación o el debate posterior. Todo se explica y no queda resquicio para la especulación. Al menos no sobre este tema recurrente de la libertad, que en esta película sólo queda como un trasfondo sobre el cual transcurre una historia de superación personal y capacidad de sacrificio en pos de un ideal, encarnado, como no, en el amor de una mujer.

Las actuaciones son bastante planas, con un Matt Damon correcto, pero poco más y una Emily Blunt que tampoco parece haber encontrado el modo de sobresalir en este papel.

El resultado es una película entretenida, con elementos sorprendentes, pero a la que se le ve su limitación en cuanto adaptación de una historia que tenía un gran potencial como fuente de reflexión más allá del celuloide. Las anteriores adaptaciones de historias de Phillip K. Dick al menos lo intentaron, con resultados desiguales, y nunca al nivel de la mítica e inigualable Blade Runner. Por cierto, preparémonos para el primer remake de una de estas películas: se está rodando una nueva versión de Desafío Total.

lunes, 28 de febrero de 2011

- ESPECIAL OSCARS 2010 -

Reconozco que me equivoqué: en la entrada sobre "El discurso del rey" dije que era una joya que iba a pasar desapercibida. Me alegro mucho de poder rectificar en esto último que se haya premiado el trabajo bien hecho, tanto en ésta como en las demás películas ganadoras. Las principales películas galardonadas han sido comentadas en este blog, ¡no dejes de consultar sus entradas correspondientes!

El Discurso del Rey, La Red Social, Origen y Toy Story 3 son las grandes triunfadoras de la noche, con la compañía de Natalie Portman en su papel en Cisne Negro:

El Discurso del Rey se llevó las estatuillas más anheladas:
MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTOR (Colin Firth), MEJOR GUION, y MEJOR DIRECTOR

Origen, obtuvo los premios más técnicos:
MEJOR FOTOGRAFÍA, MEJORES EFECTOS ESPECIALES, MEJOR EDICIÓN DE SONIDO Y MEJOR MEZCLA DE SONIDO

La Red Social, un poco de todo:
MEJOR GUION ADAPTADO, MEJOR EDICIÓN Y MEJOR BANDA SONORA

y Toy Story 3,
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN Y MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

sábado, 26 de febrero de 2011

BLACK SWAN - Cisne Negro

Ver Cisne Negro no deja de ser una experiencia cinematográfica interesante, pero hay que estar advertido de que el espectador es sometido a una tortura psicológica de principio a fin. El hecho de que efectivamente las sensaciones que se transmiten son las de un agobio ahogante y una perturbadora angustia probablemente hable bien de su director, Darren Aronofski, si es lo que pretendía. El agobio y la angustia son las que rodean y permean la vida de la triple protagonista de esta historia: el cisne negro; Nina Sayers, que es quien lo interpreta en el ballet; y Natalie Portman, que es quien interpreta a Nina Sayers. Es la triple historia de autodestrucción y enloquecimiento provocadas por la persecución de un sueño que se convierte en pesadilla fatal.

Digo "triple" a conciencia. La "doble" historia es un recurso conocido en el cine: el personaje protagonista reproduce en su vida la del papel que interpreta en una obra dentro de la película, en este caso, el ballet "El Lago de los Cisnes". Lo que es sobrecogedor es que, en mi opinión, a Natalie Portman, la de carne y hueso, le ha pasado lo mismo que a su personaje en la película: en pos de la interpretación de su vida, por la que está siendo tan premiada, ha traicionado -ha autodestruido- a la Natalie Portman que me gusta recordar: la niña delicada, sencilla e inteligente, casi muñeca de porcelana, que seleccionaba papeles acordes con esa personalidad tan especial y poco común, desde "A cualquier otro lugar" hasta "Las hermanas bolena", pasando por la magistral "Closer". Al aceptar un papel con tan alto componente erótico en Cisne Negro, en mi opinión innecesario aunque ella insista en que era necesario para su personaje, ha perdido esa inocencia que le caracterizaba y se ha convertido en una actriz más del montón. Del montón que lucen Óscars y Globos de Oro, pero que no por eso son especiales. Natalie Portman lo era y ha dejado de serlo. Puestos a recordarla, prefiero hacerlo en su papel de Reina Amidala.

sábado, 19 de febrero de 2011

EL TURISTA (The Tourist)

Atónito y absorto, así es como se queda el personaje de Johnny Depp en El Turista, cuando se le convierte en realidad de manera inesperada el sueño de ser abordado por una sofisticada y bella mujer que sin mayor preámbulo se lo lleva incluso al hotel donde se aloja. A partir de ahí nada es lo que parece, o al menos eso se pretendía en este remake que no quedará en los anales del cine, aunque tampoco es tan malo como lo han puesto los de siempre, ávidos de encontrar un producto de calidad regular en el cine americano, para poner a caldo a toda su producción cinematográfica.

Menos mal que la propia película se mofa de ellos, ya que en varias ocasiones los personajes europeos menosprecian al personaje de Johnny Depp, disculpándole condescendientemente lo que perciben como acciones excéntricas por ser un “americano”, cuando al final él es el más listo de todos. Y hasta aquí puedo leer sin revelar el giro de la trama… aunque es un giro muy predecible, intuido por muchos de los espectadores.

Salva la falta de ritmo de la realización de la película –sorprendente, tratándose de una historia ideal para ser contada de modo trepidante— la actuación del propio Depp, contenido de manera justificada por el (in)esperado final, que los que le han criticado por ello probablemente ni han esperado a ver. Angelina Jolie se rodea de un esplendoroso despliegue de glamour y nos acompaña durante toda la película con dos inmensos ojos que llenan la pantalla.

sábado, 12 de febrero de 2011

HOW DO YOU KNOW... (¿Cómo sabes si...?)

Aunque parezca mentira, esta es una de las películas más difíciles de comentar de las que han pasado por este blog. Una vez más, ha sido anunciada como comedia romántica en España una película que es mucho más. Tengo la sensación de que la imagen de superficialidad y simplicidad que algunos se empeñan en difundir sobre el cine estadounidense tiene mucho que ver con la falta de sensibilidad y de profundidad de esos algunos, porque últimamente me estoy encontrando muchos casos como éste.

¿Cómo sabes si...? tiene no una sino varias lecturas batante más profundas de lo que cabe esperar a primera vista y, al fin y al cabo, un mensaje vital positivo y útil para quienes la vean.

El mensaje fundamental es el de aceptarse a uno mismo y al prójimo (especialmente a tu pareja) tal como es. Pero para transmitir este mensaje, esta película cuenta una historia llena de giros inesperados, situaciones atípicas pero verosímiles (una declaración de amor usando plastilina que debería pasar a la historia de las declaraciones del cine) y sobre todo, unos personajes que encarnan a la perfección dos tipologías de la personalidad: la simple y directa que no se complica la vida y la de quien le da mil vueltas a todo, se llena de preocupaciones y de indecisiones.

Para dejar claro que ninguna es considerada buena o mala, cada una se encarna en dos variantes, representadas por sendos personajes. Las complicadas son ellas: Lisa (Reese Witherspoon), acostumbrada a pensarlo y repensarlo todo y nunca tomar una decisión clara y disfrutarla, y la de Annie (una magnífica Kathryn Hahn) que se complica más bien pensando en los demás y cómo ayudarles. Los simplones, ellos (¿casualidad?): Matty (Owen Wilson, bordando el papel), el rico y famoso medio novio de Lisa, que sólo vive el aquí y ahora (espectacular escena en que ella le cuenta sus penas y él las resuelve restándoles importancia) y el pretendiente (Paul Rudd) que en su sencillez la acepta como es y simplemente a lo que resta importancia es a sus propios problemas, lo cual le hace aparecer tan amable.

Si en alguna película se hace patente la importancia de la persona que hace el casting es en esta, ya que los actores están magistralmente elegidos para los papeles que desempeñan, incluyendo al inigualable Jack Nicholson.

sábado, 29 de enero de 2011

MORNING GLORY

Es una pena que esta película, como tantas otras, se haya promocionado en base a su aspecto menos importante. Se ha vendido como una comedia y, realmente, aun estando presente el humor y de una manera muy bien lograda, es una película excelente por motivos mucho más relevantes.

Hasta cierto punto de inflexión, que no revelaré para no estropear la experiencia, la película da la sensación de ser una buena sátira del mundo de la televisión dirigida a sacar a relucir lo mejor de un Harrison Ford pletórico, cuya actuación, basada en todo un abanico de sus expresiones faciales tan sugerentes, divertidas y elocuentes es ciertamente memorable.

Después entra en una fase en que se desatan todo tipo de sentimientos y emociones, y el espectador está ante una película que parece haber sabido darle un magistral vuelco a lo que pensaba que estaba ocurriendo: parece que a pesar de todo el gruñón personaje de Harrison Ford estaba en lo cierto mientras el ímpetu y el entusiasmo del de una magnífica Rachel McAdams con quien el público ha sido empujado a identificarse estaban orientados en la dirección equivocada, la de la búsqueda del share en TV, en lugar de la calidad.

Finalmente, la película pasa de buenísima a excelente, cuando un vuelco inesperado rompe de nuevo la simplista dicotomía entre lo bueno y lo malo, demostrando que existen matices y motivaciones que la desdibujan. Queda el mensaje, tan necesario aquí y ahora, de que lo importante es el trabajo bien hecho…

sábado, 22 de enero de 2011

TRON Legacy

Nunca sentí especial atracción por el concepto de TRON ni por la película de 1982 y de hecho nunca la ví. Sin embargo acudí con grandes expectativas a ver TRON Legacy y resulta que he salido más que satisfecho. TRON Legacy es la evolución natural de una serie de películas que no se quedan en lo efectista, sino que, aun con grandes efectos y despliegue de medios de producción son capaces de ir más allá y abordar temas de calado relacionados con el lugar que ocupa el ser humano en un mundo en que la tecnología y la inteligencia artificial parecen desdibujar la frontera de lo que es humano y lo que no. Estoy pensando principalmente en Blade Runner y Matrix. Como lo hicieran estas dos creaciones cinematográficas en su momento, TRON Legacy toca cuestiones que dan tanto de sí como la de qué es lo que nos hace humanos, la búsqueda de la perfección, el papel de los sentimientos en el debate de la inteligencia artificial. En esta ocasión la vuelta de tuerca está en la posibilidad no ya de que programas informáticos y la proyección mental de los seres humanos convivan en un mundo virtual, como en Matrix, sino que se apunta a la posibilidad de que los seres humanos entren en carne y hueso en un mundo virtual y, lo que es más alarmante, que haya programas que surjan sin que nadie los haya escrito, con vida propia y que cualquier programa pueda hacer el camino inverso y acabe entrando en el mundo real como un ser humano más.

Al igual que aquellas, TRON Legacy es de las pocas películas que sí me gustaría volver a ver más de una vez. Evidentemente no estoy afirmando que el guión aborde esos temas de calado con la profundidad y la extensión de un documental o un tratado de filosofía, pero las preguntas están ahí, y quien quiera ver algo más que los espeluznantes mundos virtuales de precioso diseño o la magnífica banda sonora, tiene desde luego dónde elegir.

Lástima que he ido a verla cuando ya está saliendo de los cines, puesto que mi recomendación es que no hay que perdérsela.

sábado, 8 de enero de 2011

El discurso del rey

Esta película desgraciadamente pasará bastante desapercibida si los Oscar no lo remedian el mes que viene. Y es que es una joya que no brilla demasiado, pero una joya después de todo. Si no brilla es porque en un mercado lleno de 3D, efectos especiales y grandes presupuestos, El discurso del rey trae a relucir lo mejor de la excelente tradición interpretativa británica de la mano de un magnífico reparto con Colin Firth, Geoffrey Rush y Helena Bonham-Carter. Con una premisa curiosa (la tartamudez de quien iba a ser el rey Jorge VI de Inglaterra, padre de la actual reina de Inglaterra, la cual aparece en la película como una niña) y un cuidadísimo guion que incluye unos diálogos antológicos entre el duque de York y su terapeuta del habla, la pelicula no tiene desperdicio y lleva al espectador a acontecimientos históricos que algunos recordarán y que a muchos al menos les sonarán, relacionados con la familia real británica y la segunda guerra mundial.

Dado que la película trata del habla, me quedé con las ganas de haberla visto en inglés, pero por otra parte me he alegrado de poder constatar una vez más los magníficos dobladores que tenemos en España a través del bordado doblaje que de Colin Firth hace Jordi Brau, cuya voz asociamos quizás más bien a Tom Cruise, Tom Hanks o Robin Williams.